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[0:01] Martín Acuña: Hola y bienvenidos a otro episodio de Backstage Talk. Este es su anfitrión Martín Acuña y hoy tenemos un nuevo invitado muy especial. Es Juan Caballer. Juan y yo no nos conocemos. Es la primera vez que nos vemos las caras vía FaceTime. Sin embargo, yo lo he seguido desde hace ya un año y medio, casi dos años largos, vía Instagram. Sé que ha tenido un recorrido bastante amplio en un par de obras y en un par de musicales en Estados Unidos y hoy tengo la oportunidad de estar hablando con él y entrevistarlo. Hola, buenas, ¿cómo estás? Entonces, es un placer tenerte acá, Juan. Muchas gracias por esto. La verdad, eres la segunda persona que entrevisto para el podcast, entonces estoy como acoplándome un poco a esta modalidad. Muy bien. Sí, entonces hablemos un poquito de ti, de cómo saliste de España. Cuéntanos, antes de eso, cuéntanos un poquito cómo fue tu entrenamiento y la decisión en España, cuando vivías en Barcelona. En España, estando en España.

[1:16] Juan Caballer: Pues, a ver, ¿dónde empiezo? Pues yo, desde pequeño, vi el musical Peter Pan y dije yo quiero hacer esto. Entonces, siempre que venía un musical a España, pues yo hacía que mis padres me llevaran para poder ir a verlo y sabía que eso es lo que quería hacer. Yo quería estar en el escenario, ¿no? Y yo tuve la suerte de ir a una escuela donde la mayoría era una escuela internacional. Entonces, todos los profesores hablaban en inglés y uno de los profesores británicos hacía musicales en el instituto. Es algo que no pasa mucho en España, de hecho. Es decir, yo he tenido la suerte de estar en uno de los institutos que sí que hacía musicales. Y yo, pues yo siempre hacía el protagonista y ahí es cuando vi que de verdad me encantaba, ¿no? Y llegué a un punto sobre los 14 años que dije, como que yo era el más mayor de todos los que están haciendo clases de teatro.

Y dije, no, quiero estudiar esto un poco más seriamente. Y hay una escuela en Barcelona que se llama Coco Comín, que ofrece la carrera de teatro musical, pero también ofrece la opción, creo que se llama el programa pre-comedia musical, que es como un pre a esta carrera que lo haces los fines de semana. Entonces, yo durante la semana iba a clase normal, como cualquier estudiante, y los fines de semana pues iba allí y estudiaba teatro, canto, jazz, claque, ballet, un poco de todo, ¿no? Y me encantaba. Lo único que yo me volví muy obsesionado con todo el tema de musicales. Era muy, muy freaky. Y yo como cualquiera de nosotros. Exacto. Todos somos así, ¿sabes? Pero sí que yo, teniendo un buen nivel de inglés, pues veía musicales casi cada noche.

Siempre estaba investigando y las cosas que yo aprendía por mi cuenta quería también aprender las de los profesores. Y veía que no, que llegó un punto que yo sabía más que los profesores, ¿no? Y, por ejemplo, yo les preguntaba, quiero cantar una canción de Sondheim. Y ellos, ¿qué es Sondheim? Porque ahora mismo la cosa ha cambiado un poco, pero sí que se sabía mucho lo que pasaba en España, que era básicamente Gris, Mamma Mía y Los Miserables. Pero no mucha cosa más, ¿sabes? Entonces, pues dije, guau, si quiero de verdad estudiar esto, tengo que irme fuera, ¿sabes? Entonces vi un anuncio de esta escuela, AMDA, que es una universidad que está aquí en Estados Unidos y tiene un campus en Nueva York y en Los Ángeles.

Y ofrecen la carrera de teatro musical. Y mis padres me dijeron, mira, mientras estudies una carrera, te apoyamos en lo que quieras. Y me di cuenta de una carrera con un título. Así que, al principio, pues no lo tenían muy claro ellos, pero me dijeron, mira, vamos a ir a Londres, vas a hacer el casting. Si te cogen, pues ya lo hablaremos, ¿no? Un poco pensando, no lo cogerán y luego ya, pues, estudiarás algo más estándar.

[4:06] Juan Caballer: Exacto. Pero sí que sí me cogieron y mis padres, entonces, pues fue, no, no tenemos de apoyar. Si te han cogido en esta escuela tan buena, pues hay que dar al 100%. Así que me gradué a los 18 años, me gradué a los 17 años y en ese octubre, pues ya me mudé a Estados Unidos.

[4:26] Martín Acuña: Y te fuiste directo a Los Ángeles.

[4:28] Juan Caballer: Directo a Los Ángeles, porque AMDA tiene dos campuses en Nueva York y en Los Ángeles. En Nueva York solo hacen el conservatorio, que son solo cuatro semestres. En Los Ángeles te ofrecen la carrera entera, que son ocho semestres. Entonces, yo como quería la carrera, pues dije, tengo que ir a Los Ángeles. Pero lo bueno es que te ofrecen hacer el tercer semestre en Nueva York.

[4:51] Martín Acuña: Ah, entonces empezaste en Los Ángeles y luego volaste a Nueva York.

[4:54] Juan Caballer: Sí, empecé en Los Ángeles, hice un semestre en Nueva York y luego volví a Los Ángeles a acabar la carrera. Y sí, eso es todo un poco el tema de entrenamiento, como lo que tengo.

[5:06] Martín Acuña: Ok, entonces te graduaste de AMDA a los 22.

[5:12] Juan Caballer: No, me gradué de AMDA porque hice todo y lo hice todo sin tomar vacaciones de verano. Entonces, me gradué a los 20 años.

[5:25] Martín Acuña: ¿Y después de AMDA?

[5:27] Juan Caballer: Después de AMDA llegaron el visado de estudiante. Te dan un año para poder trabajar en Estados Unidos. Durante este año es muy importante si quieres tener el visado de artista, porque básicamente le tienes que demostrar al gobierno que tienes un talento extraordinario, que eres de los mejores de los mejores de lo que haces, en este caso teatro musical. Y claro, un año es muy poco tiempo para crear tu currículum en sí. Y yo sabía que si me quedaba en Los Ángeles, pues habría menos competencia, ¿sabes? Y además aún no estaba listo para Nueva York, yo creo, porque mi experiencia en Nueva York cuando estaba en AMDA no fue la mejor experiencia. Esa es una ciudad muy competitiva, se nota mucho y yo no estaba seguro de mí mismo, entonces eso me... no estaba preparado y no tuve la mejor experiencia aquí en Nueva York.

Pero sí que fue muy bueno ir a Los Ángeles, confiar más en mí mismo y luego mudarme. Entonces, pues me quedé un año en Los Ángeles y trabajé a lo loco. Tenía miedo, porque yo llamaba a los abogados y me decían ¿qué premios tienes? ¿Qué premios tengo? ¿Cuáles son tus críticas? Yo no tengo críticas, estoy en el coro de este show, no. Así que fue duro, pero hice seis musicales o siete musicales en un año entero, que fue una locura. Es decir, nunca más voy a llorar. Era uno, literal, estaban saliendo un show, mientras estaban actuando otro por la noche, ellos tenían casting por la mañana, así que fue, literal, había noches que dormía seis horas, porque además uno estaba en San Diego, otro estaba en Los Ángeles, otro estaba... Es decir, fue una etapa dura, pero me lo curra mucho y aunque no era completamente suficiente, pues sí que conseguí el visado y me fui a Nueva York.

[7:18] Martín Acuña: ¿Y cuáles fueron esos seis, siete musicales que hiciste en ese año?

[7:24] Juan Caballer: Pues no puedo decir... Cantando bajo la lluvia fue mi primero, que fue mi profesor John Engstrom, que fue el original dance captain de 42nd Street en Broadway, que fue mi profesor. Cuando me gradué, me dijo, tengo un show para ti que quiero que hagas. No es que te lo diga y todo, pero... Y así conseguí mi EMC card. Luego hice Big Fish, el musical en San Diego, que el año fue genial porque vi ese show en previas en Broadway. Y luego como lo hice en San Diego utilizando los mismos vestuarios, la misma escenografía, that was great. Después hice West Side Story con otro profesor de AMDA que me contrató para hacer de Bernardo. Después hice el musical Empire, que este musical es un musical nuevo. Es decir, es un musical que quiere llegar a Broadway y era como su Out of Town Trial, donde probaban a hacer un musical la primera vez que lo hacían con público para ver cómo que podían arreglar y todo.

Y de hecho este musical, que estuvimos trabajando en ese musical como dos meses en Los Ángeles, después en seis meses hicieron un reading en Nueva York. Y esa fue la razón, porque yo me mudé a Nueva York. ¿Y qué más hice? Big River, que fue el protagonista. Big River es Huckleberry Finn. Ajá, sí. Y con ese gané un premio así muy local y eso me sirvió para el visado. Claro. Y luego hice el musical American Idiot, también en Los Ángeles, que fue una de mis mejores experiencias actuando.

[8:45] Martín Acuña: ¿Por qué fue una de tus mejores experiencias actuando?

[8:51] Juan Caballer: Bueno, pues como artistas ponemos toda nuestra vida personal en el arte o lo disfrutamos de personaje y luego lo ponemos en el escenario. American Idiot, si no lo conocéis, es el musical con la música de Green Day, que es muy de rock, de muy ansiedad y de llorar. Y el primer día de ensayo mi pareja me dejó. Entonces, mientras estaba aprendiendo esta música de rock, de ansiedad, y además mi visado me estaban diciendo que no iba a salir y todo. Entonces era una época muy estresante para mí. Pero lo pude poner todo en el escenario, ¿sabes? Es decir, si ese día me encontraba que quería llorar, pues iba al escenario y lloraba en esa canción porque podía, ¿sabes? Porque salía naturalmente. Exacto. Entonces nunca había dado más de mí en un escenario como entonces. Y teníamos un cast increíble. Y miren, yo vi ese show un par de veces y me gustó mucho. Pero estar en ese show fue muy especial, muy necesario para crecer para mí como artista, de hecho.

[10:01] Martín Acuña: Claro, qué bueno, qué bueno que uno pueda tener ese tipo de experiencias de crecimiento en un show tan específico. O sea, creo que eso es muy importante para nosotros los artistas, por lo menos tener un show en el que uno diga, me cambió la vida y fue un hito en mi historia artística, en mi camino artístico. Ya que estamos hablando que este show te funcionó mucho y con Huckleberry Finn, que ganaste con Big River, que ganaste este premio, hablemos un poquito de ese trabajo en los papeles del visado. Porque sé que no es fácil ser un inmigrante en Estados Unidos ahorita. Y creo que nunca lo ha sido.

[10:38] Juan Caballer: Nunca lo ha sido, a veces peor. Sí, cada vez está el mundo un poco más loco en general. Y creo que ahorita es muy importante tener ese tipo de voces inmigrantes, no solo en Broadway, sino también en otras ciudades grandes que tengan este tipo de expresiones artísticas. Entonces, si quieres, cuéntanos un poquito cómo ha sido tu experiencia siendo un ejecutante inmigrante, siendo un actor inmigrante.

[11:04] Juan Caballer: Yo siempre digo, no es imposible, se puede hacer, pero has de luchar cuatro veces más que cualquier otra persona. No es fácil, es de verdad que haces lo mismo que cualquier otro americano, pero ellos siempre tendrán la preferencia en temas de conseguir el visado y en temas de luego luchar con uniones para que te dejen trabajar. El visado que te dan de estudiante para trabajar el año después, que se llama OPT, ese visado es mejor que el visado de artista, porque ese visado te deja un poco trabajar en todo lo que quieres. El visado de artista solo te deja trabajar como actor legalmente. Entonces, sí, pues es lo que te explicaba antes, conseguir este visado de artista tienes que demostrar que tienes talento extraordinario, tienes que demostrar que tienes premios, que tienes críticas.

Eso como después de graduarte como estudiante no es fácil de conseguir. Conozco a mucha gente que intentó hacer este visado y no lo consiguió. Para conseguir este visado necesitas tres cosas. Primero de todo, un sponsor. El sponsor es quien hace la petición para que tú estés aquí en el país. Y este sponsor puede ser tres cosas. Primero, una compañía. Por ejemplo, si te cogen en Lion King Broadway.

[12:22] Martín Acuña: ¿Disney sería tu sponsor?

[12:24] Juan Caballer: No, Lion King Broadway sería tu sponsor y solo puedes trabajar para Lion King Broadway. Entonces, si quieres hacer otro trabajo, no puedes. Estás en el país solo por esto. La siguiente opción es que una agencia sea tu sponsor. Entonces, con esto de la agencia siendo el sponsor, que es el que tengo yo, tú puedes trabajar siendo freelance mientras pagues a tu agente. Mientras tengas conexión con tu agencia. Entonces, es lo que tengo yo y es lo que te da la flexibilidad de trabajo. Y la tercera es una persona individual que sea el sponsor. Que es como la gente, pero no es como la agencia, pero tiene que ser.

[13:02] Juan Caballer: Ser el individual. No puede ser una compañía. Tiene que ser una persona. Eso es la primera parte. Necesitas el sponsor. Y, para la gente que quiera hacer esto, cuando conozcas a gente, si hay todo, que sepan que no tienen responsabilidad legal sobre ti y que ellos no tienen que pagar nada. Normalmente lo pagas tú. A no ser que sea una compañía. La segunda parte que necesitas es el porfolio. Que es demostrar todo el trabajo que has hecho. Mi porfolio ahora mismo son 600 páginas. Desde cada trabajo que has hecho, una descripción. Con quién has trabajado. Información sobre el teatro. El programa. Contratos. Fotos o escáneres de los cheques que has hecho. Toda la prensa del show. Todo... ¿Qué más se necesita?

E-mails de stage managers. Se necesita un poco de todo. Claro, yo tengo 18 proyectos que ya he hecho. Entonces mi visado es bastante gordo. Tu carpeta de visado es bastante grande. Y cuenta mucho la calidad y cuánto te pagan en esto. Pero eso es mucho trabajo, pero se puede hacer. Simplemente te has de poner. Sí, toma tiempo, pero es lo grande. Exacto. Se puede hacer. La tercera parte necesitas un itinerario. De todos los trabajos que vayas a hacer cuando estés aquí. Esa es la parte complicada del visado porque no existe lo que piden. No hay ninguna compañía de teatro que te diga te voy a dar trabajo para 3 años. Eso no existe. Entonces conseguir estos contratos son un poco más complicados. Pero no es imposible. Es tener buenas conexiones, es ser buena persona y es preguntar. Es complicado, pero no es imposible.

[14:41] Martín Acuña: ¿Complicado, pero no imposible? Y entonces, ¿crees que lo más complicado de todo el proceso es preguntar si te van a contratar después? Por ejemplo, estás ahorita en una obra. Y la obra dura dos meses máximo. ¿Lo difícil sería preguntar si te van a contratar después?

[15:02] Juan Caballer: Lo complicado es conseguir que una compañía o que varias compañías te ofrezcan trabajos que ellos no tengan ni planeados. Claro. ¿Te entiendes? Ya que asumo que llevas bastantes años haciendo ese proceso de la visa de artista. ¿Cuál es el mejor consejo que le puedes dar a alguien que quiere empezar a hacer este proceso? Que quiere empezar a hacerlo desde cero porque tú tuviste la oportunidad de pasar de la visa de estudiante a la visa de artista. Y hacer ese puente. Para alguien que va a empezar desde cero, ¿cuál es el mejor consejo que le puedes dar?

[15:41] Necesitas currículum, necesitas trabajos, necesitas premios, necesitas... Eso necesitas prensa, muchísima prensa se necesita. Entonces, eso significa que de cada proyecto hagas lo máximo. ¿Sabes? No puedes estar cómodo de hacer el proyecto y luego... No, es decir, de cada proyecto conecta con las compañías, pide a las prensas. Tienes que salir de tu comfort zone un poco, al menos para mí, para de verdad conseguir lo que quieres. No es imposible, pero sí que has de dar mucho de ti. Y eso es muy estresante. Entonces, mi consejo para todo el mundo que lo hace es paso a paso. Son tantas cosas que te vas a centrar que si te centras en todas al mismo tiempo, explotas. Y yo he explotado varias veces.

Entonces es paso a paso. Hoy estoy trabajando en mi porfolio. Hoy estoy trabajando en buscar un agente. Hoy estoy trabajando en esto. No estreses todo porque de verdad que explotas. Es un proceso muy estresante. Así que paso a paso. No tengas miedo a preguntar. Y no tengas miedo a que la gente te diga que no. No digas nada. Yo, por ejemplo, ahora estoy buscando compañías para mi siguiente visado. Y muchas me están diciendo que no. Y no pasa nada. No puedes culparles a ellos. Simplemente, ok, lo entiendo perfectamente. Next. ¿Sabes? Porque si no, de verdad, es bastante estresante.

[16:56] Martín Acuña: Y ahorita estás firmando con una agencia.

[16:59] Juan Caballer: Ajá. Bueno, yo ya llevo con mi agente cuatro o cinco años. Me gradué y no tardé mucho en conseguir mi agente. A principio no quería ser mi agente porque no quería ser mi sponsor. Pero dije, ay, es que yo no quiero tener ninguna responsabilidad legal. Y no quiero pagar todo este dinero. Y yo dije, no, no, no. Déjame preguntarle a un abogado a ver qué se necesitaría de ti. Y dice, no, si es solo para firmar unos papeles, pues yo lo hago. Y es lo que tenía que hacer. Entonces así es como lo comencé. Y llevo con él desde entonces. ¿Pero estás solo con agente independiente o con agente de agencia?

[17:31] Juan Caballer: De agencia. ¿Y qué agencia es? Es Daniel Hoff Agency. Y estoy representado con Dave Secker. Si quieres, empecemos a hablar.

[17:39] Martín Acuña: Ah, no, mentiras. Tengo una última pregunta.

[17:41] Juan Caballer: Pregunta.

[17:42] Martín Acuña: Tú ahorita eres parte de alguna unión o de alguna equity.

[17:46] Juan Caballer: Sí, esta es una pregunta complicada. Porque asumo, o sea, he leído un montón de cosas acerca del Actors Equity, del Union, todo eso. Y la mayoría solo habla de gente que nace en los Estados Unidos. Entonces, ¿cómo funciona para inmigrantes? ¿Cómo ha funcionado para ti estar en el Equity o en un Union? ¿Ha sido como dependiendo del proyecto? ¿O estás ahí tiempo completo?

[18:16] Juan Caballer: Hay dos uniones aquí en Estados Unidos. De hecho, hay cuatro. Pero nos vamos a centrar en dos ahora mismo. La primera es ACMA. ACMA es la Unión de Ópera. Por ejemplo, yo hice West Side Story en la ópera el año pasado. Entonces tenía que ser parte de ACMA. Y era la producción que voy a hacer de 42nd Street. Es la misma ópera, así que es una producción de ACMA. ACMA no tiene ningún problema con que tú te unas. Con temas divisados no te va a poner nada. Si la producción no tiene ningún problema, ellos no tienen. De hecho, no, es cierto. Creo que la única norma que tienen es que si es un trabajo para coro de toda la temporada, no para un show, de toda la temporada, van a dar prioridad a los americanos.

Pero ya está. Es la única regla que tienen. Actors Equity es la unión del teatro musical. Si quieres estar en Broadway, tienes que ser parte de esta unión de actores de Actors Equity. Y si te caen bien o quieres ser parte de esta unión, si quieres trabajar en el teatro musical, si quieres tener calidad como actor de teatro musical, es mejor ser parte de esta unión. No es necesario, pero sí que ayuda mucho. Esta unión nos odia. Esta unión no nos considera americanos y quiere dar la prioridad a los americanos para casi todo. Eso hace que yo, por ejemplo, cuando me fui a unir a la unión, me dijeron que no, no podía. Entonces, esta unión tiene diferentes tipos de contratos. Si estás en Broadway, vas a estar en Production Contract.

Si estás de gira, estarás en SIDA. Si haces teatro original, estarás en Lords o estarás en Cost. Cada uno de estos contratos tiene diferentes reglas. Cada vez, por ejemplo, el contrato Lords dice que el mínimo para estar en ese contrato son 900 a la semana. Production Contract son 2100 a la semana. ¿Por qué? Porque uno es teatro original y otro es Broadway. Entonces, se adapta a reglas que necesites en cada contrato. Cada uno de estos contratos tiene reglas sobre nosotros, la gente con visado de artista. Entonces, los únicos contratos que podemos hacer sin ningún problema es Lords y Off-Broadway. La única regla es que la compañía no puede contratar a más de dos visados de artistas por temporada.

Pero si estás en eso, puedes hacerlo. Y yo así fue como me uní a la unión de actores. Pero para cada trabajo que haga, tengo que pedirles permiso y me tienen que aceptar. Entonces, también depende de cada contrato cuáles reglas haya. Production Contract, que es el contrato de Broadway, tiene una regla específica que gente con el visado de artista puede estar en el coro. Y esta es una regla que hay que luchar cada vez que quieras hacer un trabajo así. Y hay muchas veces que dicen que no. Lo mejor que puedo advirtir a la gente es intentar tener una buena relación con actores de alcoholismo. No hay otra. Intenta que te conozcan para que cuando te den un trabajo bueno en Broadway o de gira, sepan quién eres.

Entonces, cueste más un poco decirte que no. Entonces, eso es lo complicado de la unión. Y de este visado, porque solo puedes hacer teatro, pero luego la unión no te deja trabajar. Entonces, es complicado, pero no es imposible.

[21:29] Martín Acuña: Quería hablar contigo acerca de dos shows que te conoces como la palma de tu mano, que son Evita y West Side Story, porque has hecho ambos varias veces. ¿Cuál ha sido tu mejor experiencia en ambos? ¿Tienes algún hito en Evita o en West Side? Que tú digas, uy, me acuerdo de tal función, en donde me pasó esto, y fue increíble.

[21:52] Juan Caballer: Mira, yo West Side Story lo he hecho cuatro veces. La primera fue en Anda. La segunda fue haciendo de Bernardo, que fue un profesor de Anda que me contrató. Después fue haciendo de Action en Barrington Stage. Y la última fue en la ópera de Chicago. ¿Que fue hace un año? ¿Un año largo? Sí, hace un año más o menos. Es brutal. Lo que es muy interesante para mí es que yo soy de España. Yo siempre digo, yo soy hispano, pero yo no soy latino. Los directores de casting no escuchan, pero es lo que digo. Entonces, eso significa que por mi lado europeo puedo ser parte de los Jets, pero por mi nombre tendría que ser de los Sharks. Entonces, por ejemplo, yo siempre que tengo casting para West Side Story, nunca me ven para los Jets.

De hecho, siempre es para Bernardo o para los Sharks. Pero siempre me ven bailar y luego me ven haciendo otras cosas y dicen, pues quizá podría ser un Jet. Entonces, siempre pasa. Es decir, no siempre, pero muchas veces sí que pasa que están muy confundidos conmigo porque mi nombre es Juan Caballero, pero no me veo latino. Entonces, de cada versión tengo momentos muy especiales. Hacer la ópera fue muy especial para mí porque ya es un musical que me conozco perfectamente. Esa ópera es una ópera que tiene 3.600 asientos. Teníamos una orquesta de 43 músicos. Era un teatro muy grande y normalmente cuando haces West Side Story los teatros no son tan grandes, entonces no puedes bailar. A lo grande.

Exacto. Este era lo contrario. Este era como, tengo que bailar demasiado. Momentos que tienes que cruzar desde un lado del escenario al otro, tardas la tira porque es tan grande. Pero poder actuar en este show allí fue muy especial. Pero igualmente que cuando hice The Action, que fue la primera vez que hice The Jet, que fue un personaje que de verdad me enamoré del personaje aunque fuera, es decir, es un capullo, es un idiota ese hombre. Pero encontrarle la voz de por qué es como es fue un proceso que me interesó muchísimo. Y hacía tiempo que no hacía un papel, entonces me gustó mucho poder volver a hacer un papel. Pero sí es un musical que si haces la coreografía original no hay mejor coreografía en teatro musical. Cada paso tiene una intención o tiene un motivo de por qué existe y es efectivo en la historia. Así que para mí eso es muy especial.

[24:14] Juan Caballer: Y ahora pasemos a Evita. Evita, Evita, Evita. Evita, mira, yo, una de las mejores experiencias como en tema de producción fue la primera vez que hice Evita. Que fue con el director coreógrafo Josh Rhodes, que para mí es un genio, he trabajado con él como cuatro veces o cinco veces. Y de verdad que es un genio. Para la gente que no conozca el musical de Evita, ¿tú lo conoces? Es un musical que está escrito horriblemente. No, la historia es muy poco lineal. La música es genial, pero Tim Rice y Andrew Lloyd Webber cuando se los pidieron estaban afectados por muchas drogas. Porque hay melodías como... Es una locura, ¿no? Entonces el challenge de Evita, lo que me gusta de hacer Evita es ver qué versión va a poder hacer el director, ¿sabes?

Porque hay mucha... Puedes hacer mucho research del show. Y me interesa ver qué es lo que quiere hacer el director. ¿Cuál es el punto de vista? También porque es un musical que es sobre la vida de Baberón, pero el narrador es el antagonista. Y eso crea un muy buen teatro que es algo que utiliza Andrew Lloyd Webber mucho como un ejército superstar desde el punto de vista de Judas. Josh Rhodes hizo todo el research y dijo, Eva Perón es ícaro. Eva Perón quería tanto llegar al sol que se quemó. Toda la producción la hizo como si Eva Perón fuera ícaro. Entonces desde el principio, cuando empezaba el musical, Evita, Evita, Evita, ella salía volando como un ángel quemado y iba como hacia abajo en el escenario.

Era una producción impresionante. Es decir, artísticamente fue muy, muy focioso porque todo tenía una razón, todo le dio un giro a lo que la historia es. Dijo, no estoy intentando crear un documental en escenario. Estoy intentando contar esta historia.

[26:05] Juan Caballer: No quiero cosas espectaculares, no quiero flashness. Yo quiero centrarme en la historia de esta mujer y por qué esta mujer hace lo que hace. Entonces, aunque fue completamente muy distinta que la de Josh Rhodes, fue mucho más íntima y mucho más centrado en los momentos como actores, no tanto en la espectacularidad de la producción. Que es lo que también a mí me interesa muchísimo. Y la última que hice, básicamente, es porque quisieron hacer una réplica del original. Personalmente, yo creo que no funciona. El original intenta ser un documental. Y eso no es interesante. Sobre todo con un personaje tan complicado como Eva Perón, que tanta gente la amaba. Y con una historia que no es tan precisa históricamente, como está en la musical, como ocurrió de verdad.

Exacto. El trabajo de los directores es de filling the blanks. De llenar un poco, para ayudar a la audiencia a explicar la historia. No es como un show como The Lion King de Piazza, por ejemplo. Que lo tienes todo allí. Tú puedes hacer La Lion King de Piazza con una silla y un piano y funcionaría perfectamente. Porque está todo en el guión y en la música. En Edita es lo contrario. Es muy difícil seguir. Entonces, es el trabajo del director de llenar la historia para que el público lo entienda un poco más.

[27:56] Martín Acuña: Claro. Y ahorita vuelves a estar en Chicago con 42nd Street. Estuviste hace un año con West Side Story y ahorita estás en esta producción de 42nd Street.

[28:02] Juan Caballer: Bueno, actualmente no estoy en esta producción. Es una producción que en teoría tiene que pasar... Empezaríamos los ensayos el 27 de abril. Ahora mismo, por el tema del coronavirus, no sé si tengo un trabajo o no.

[28:22] Martín Acuña: Sí, todos estamos igual. Todos estamos en la espera de cómo va a evolucionar todo esto porque está de locos.

[28:30] Juan Caballer: Ahora mismo sí que hay planes, pero existe la posibilidad de que la producción se cancele. Entonces, estoy un poco esperando a ver esto y qué voy a hacer con mi vida.

[28:40] Martín Acuña: ¿Qué plan B hay?

[28:41] Juan Caballer: Plan B, pues si no funciona, pues no lo sé. Sinceramente, ahora mismo no lo sé. Quizá me vuelva a España, quizá me quedo aquí. No lo tengo pensado mucho. Yo espero que funcione, que pase o que si no pasa ahora, que pase un poco más tarde.

[28:56] Martín Acuña: Y pasa a ti. Tengo fe. Tengo fe que ahorita el mundo de las artes está súper tensionado y está a la espera de todo lo que pueda pasar, pero creo que el momento en el que podamos volver al escenario y volver a arrancar va a ser con una fuerza sin precedentes.

[29:16] Juan Caballer: Exactamente. Creo que todos nosotros estamos con ese fuego dentro de nosotros de que queremos volver ya, pero tenemos que esperar, pero queremos volver.

[29:25] Martín Acuña: Exacto, sí. Esto un poco depende de lo que pase en estos próximos 30 días. Y si nos portamos bien y nos quedamos en casa, pues seguramente sí podrá pasar. Si la gente no hace caso, pues lo más seguro es que no. Pero mira, estamos en un momento que no depende de nosotros, depende de todo el mundo. Y todos estamos en lo mismo. Así que paso a paso, día a día, keep going.

[29:52] Juan Caballer: De los últimos trabajos que vi que has hecho, estuviste en el Jerome Robbins Broadway Reunion Concert. Este, si entiendo bien, es un tributo a Jerome Robbins.

[30:03] Martín Acuña: Sí. ¿Cómo llegaste ahí?

[30:07] Juan Caballer: La producción de West Side Story que hice en Barrington Stage la pusieron dos personas que conocían mucho a Jerome Robbins personalmente. Y nos pidieron a básicamente todos los jets de esa producción que hiciéramos este concierto para Jerome Robbins Broadway, que fue una reunión de todos los actores. Hicieron este musical hace 30 años, pero que ahora ya tienen cierta edad y no pueden bailar a las habilidades que nosotros podemos. Entonces, sí, fue un concierto muy especial, porque todos los que estaban en este musical hace 30 años, ahora son coreógrafos muy importantes. Y no tenías Jerry Mitchell, Sergio Trujillo, Julio Monge, todos los coreógrafos de hoy en día están parte de esta producción. Entonces fue una gran experiencia de poder actuar delante de ellos y poder conocerlos y trabajar con estrellas como CM from Johnson, Tony Yazbeck. Fue una experiencia muy especial, la verdad.

[31:14] Juan Caballer: Y ahí, el semestre pasado, yo hice mi tesis de grado para uno de mis pregrados universitarios. Y precisamente uno de los temas centrales o una de las inquietudes centrales en mi trabajo fue cómo se preserva la coreografía de algo tan original y de algo tan icónico como fue Jerome Robbins con West Side. ¿Cómo fue ese proceso de preservar esa coreografía original? ¿Ustedes la tenían grabada desde los sesentas ahorita? ¿O, precisamente, cómo tenían guardada esa coreografía original?

[31:45] Juan Caballer: Es decir, ellos tienen videos de las producciones y todo. Este es el programa con Jerome Robbins en general y es lo que más he aprendido, sobre todo en mi primera experiencia, en West Side Story en Barrington y haciendo este proyecto de Jerome Robbins Broadway 30th Anniversary. Y es que lo más importante para Jerome Robbins era el personaje, no era el paso de baile. Lo que pasa es que la gente que monta las producciones de West Side Story hoy en día fueron los dance captains que simplemente siguen las reglas de un libro. Entonces, todo el trabajo del personaje que hizo Jerome Robbins se pierde porque quieren que la coreografía se vea limpia más que ser el personaje. Ellos siempre cuentan la historia de que Jerome Robbins, haciendo el baile Kool de West Side Story, podía hacerlo haciendo cada personaje de los Jets, Baby John o Action o Riff o Big Deal, y hacerlo distinto por cada personaje.

Y eso es lo que le interesaba a él. Y eso es impresionante porque Baby John, que es una persona más joven, que tiene más miedo, va a bailar a alguien completamente distinto que alguien como Riff, que es confidente, que es seguro de sí mismo. Que será distinto que Action, que tiene mucha tensión y quiere explotar en cualquier momento. Y eso es la genialidad de esa coreografía. Entonces, yo después de ver estas producciones, cuando voy a un casting y veo que alguien simplemente quiere que todo se vea bonito, es frustrante. Porque he estado en la sala con la gente que estuvo con él y eso es lo que quería él.

[33:16] Juan Caballer: Ahora creo que eso cambia mucho tu perspectiva como actor. Porque lo que ahora te puede llamar la atención es la creación de un personaje y no que el tandío esté bonito, que el plié esté perfecto, que un Batman te llegue a 180 grados. Pues mira, justo eso se puso en los pasos que hablan más de por qué la coreografía de West Side Story ha cambiado durante los años. Por ejemplo, el último revival de West Side Story, no que está ahora mismo en Broadway, el último fue la persona que lo puso, dijo voy a quitar todo de personaje y esto va a ser un ballet. Entonces quería que la pierna, en el Shark Sink, durante el prólogo, que está icónico, quería que la pierna estuviera súper arriba. Pero Jerome Robbins Broadway, cuando yo estaba trabajando en esto, todos decían, no es sobre la pierna que está arriba, es sobre la pierna que está abajo.

Porque está diciendo, aquí soy yo, ese es mi territorio. Que la pierna suba o baja, pues mejor que no suba tanto. Porque la importante es la de abajo, clavando la pierna, diciendo, este es mi territorio. Entonces cambia bastante, porque no es tanto sobre el personaje, sino de qué bonito es estar en dúo si está tan arriba la pierna. Que no es lo importante de West Side Story. Y cuando haces producciones que son tan de ballet, pierdes lo importante de por qué esta coreografía cuenta la historia. ¿Sabes? El prólogo se vuelve muy de chicos bailando ballet, en vez de chicos peleando tron.

[34:43] Martín Acuña: Exacto. Exacto. Entonces, es frustrante, pero cada uno tiene su take. Y yo estoy muy agradecido de haber estado en la sala con toda esta gente, diciéndome, no, esto es lo que quería, Jerome Robbins.

[34:57] Juan Caballer: Súper. Para empezar a cerrar este episodio, quiero preguntarte, ¿cuáles son tus cinco shows favoritos? O si tienes un top cinco, o un top tres, un top dos. Porque asumo que de hacer, que tú puedas ejecutar o hayas estado, pues Evita y West Side están en esa lista. Pero, sí, ¿cuáles son tus musicales favoritos?

[35:25] Juan Caballer: Es decir, es muy complicado. Es porque me gustan mucho todos por diferentes razones y todos... Para mí no existe un musical perfecto, ¿no? Si hubiera uno, sería West Side Story, pero incluso hoy en día creo que West Side Story tiene sus cosas malas. Pero sí West Side Story claramente está en esta lista. Para mí, de las partituras más impresionantes que hay de teatro musical, la primera es Bridges of Madison County, de Jason Robert Brown. Creo que el trabajo de personaje es impresionante. Él como compositor en sí, cuando hace su trabajo, de verdad ves las descripciones de los personajes en la letra. Y es muy inteligente. Fue también un show que vi bastantes veces en Los Ángeles y me ayudó personalmente a tomar ciertas decisiones.

Así que ese es un show que está muy especial en mi corazón. Un show que me encantaría hacer sería Dogfights. De verdad que me encanta la música, me encanta la historia. ¡Qué más! Me encantaría también hacer Parade, de Jason Robert Brown. ¡Qué más! Me encantaría hacer cualquier show de Sondheim. Sería impresionante. Es un musical brutal. Sobre todo musicales que representan cultura, pero que está conectado por la gente que es parte de esa cultura. Es mi preferido. Porque muchas veces, como por ejemplo Evita, que me encanta Evita, pero muchas veces ves, estos son dos hombres blancos británicos intentando explicar la historia de la Argentina. Pero ¿por qué no hicieron suficiente research? ¿Por qué no son parte de esta cultura?

Tienes una canción como en Buenos Aires, que me encanta la canción, pero tiene un ritmo brasileño, que no tiene nada que ver con Argentina. ¿Sabes? Entonces me encanta ver historias contadas por la gente que es parte de esa historia. Porque cambia mucho. Y más, en Was It Story, cuando tienes a alguien latino en el prelip, cambia todo. ¿Sabes? Porque los latinos dejan de ser solo un estereotipo, sino que empiezan a ser personas. Y por eso creo que es tan importante tener a alguien de cada cultura representada en WillFC. En cualquier razón. No digo que no podamos mezclarlos y todo, pero al menos tenga alguien que sea parte de esa cultura, de esa comunidad, que tenga una voz.

[37:53] Martín Acuña: Sí. Y para terminar, ¿cuál sería una recomendación de un show que hayas visto últimamente o una película o una serie que te haya marcado y tú digas, la gente necesita verla? Porque tiene o un subtexto importante, o una historia que te gustó mucho, algo así.

[38:15] Juan Caballer: Yo creo que lo último que vi que me importó mucho fue The Inheritance, que es una obra que tristemente acaba de cerrar en Broadway. Y creo que representa a la comunidad gay en Nueva York de una manera. Es una letra de amor a la comunidad gay en Nueva York. Y fue un evento muy especial para mí verlo en el escenario. Y estoy muy triste que haya cerrado, pero muy agradecido de poderlo haber visto.

[38:44] Martín Acuña: Bueno, Juan, ha sido increíble hablar contigo.

[38:48] Juan Caballer: Muchísimas gracias por esta oportunidad.

[38:50] Martín Acuña: Igualmente. Muchas gracias.

[38:52] Juan Caballer: Y nos vemos pronto.

[38:54] Martín Acuña: Cuídate. Un abrazo a todo el mundo.

[38:56] Juan Caballer: Adiós.